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MENTORATS
NOS MENTORS
Le programme de Résidences DAC se distingue par le jumelage de chacun des récipiendaires de résidences à des mentors. Le comité de mentor est formé de professionnels reconnus et expérimentés (dramaturges, répétiteurs, concepteurs sonores et d'éclairage) qui détiennent un riche bagage d'expériences professionnelles ainsi que de vastes connaissances dans leurs domaines respectifs.
Nos mentors passeront du temps avec les artistes sélectionnés pour discuter et approfondir des sujets et des expériences tels que :
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Comment travailler la scénographie pour rejoindre le public
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Comment ajouter de l’intensité dans l’équipe artistique
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Comment exploiter pleinement l’éclairage pour créer une ambiance
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Comment travailler les émotions
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Comment gérer l’espace d’un théâtre
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L’impact de la musique sur une pièce
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L’importance et la compréhension de la technique dans une pièce
Marc Boivin
Danseur, improvisateur, enseignant et chorégraphe, Marc Boivin commence sa carrière au Groupe de la Place Royale à Ottawa sous la direction de Peter Boneham et en 1985 se joint à Ginette Laurin et sa jeune compagnie O Vertigo Danse. Depuis 1991 c’est à titre de pigiste qu’on le retrouve dans le travail de plusieurs chorégraphes d’ici et d’ailleurs nommément Louise Bédard, Mélanie Demers, Sylvain Émard, Jean-Pierre Perreault, Tedd Robinson, Tedi Tafel et Catherine Tardif. Affilié à L’École de danse contemporaine de Montréal depuis 1987 il enseigne et chorégraphie régulièrement dans diverses écoles et organismes à travers le Canada. Marc Boivin est président de la Fondation Jean-Pierre Perreault depuis 2006. Il a aussi présidé le conseil d’administration du Regroupement québécois de la danse de 2010 à 2014 et siégé au Conseil des arts de Montréal de 2005 à 2010. Marc Boivin remporte en 1999 le prix Jacqueline-Lemieux, décerné par le Conseil des arts du Canada et en 2014 le prix Dora Mavor Moore pour son interprétation dans la pièce WOULD, dansé au côté de Kate Holden, une chorégraphie de Mélanie Demers.
Lisa Davies
Conseillère artistique, directrice internationalement recherchée, professeure invitée et leader de l'industrie, la carrière de Lisa dans les arts de la scène s'étend sur 29 ans et 15 compagnies de danse de renommée mondiale. Lisa est connue pour son intégrité, sa qualité, sa passion et son dévouement à l'exploration et à l'avancement du ballet et de la danse contemporains à l'échelle communautaire et mondiale.
Vladimir « 7Starr » Laurore
Vladimir « 7Starr » Laurore, est un artiste multidisciplinaire né à Montréal, Québec. Il est un pionnier de la scène canadienne du krump. En 2005, il cofonde la première troupe de krump au Canada, le Bzerk Squad. 7Starr est aussi le créateur de Gutta Zone, le premier et plus grand festival de krump au pays. Il est concurrent ou juge invité au niveau national et international dans de grandes compétitions telles que The International Illest Battle à Paris, EBS en Allemagne, The Phitted Talk aux États-Unis et Royal Rumble en Suisse, pour n’en nommer que quelques-unes. Il a travaillé entre autres avec le Cirque Eloize et Moment Factory, sans compter ses passages à la télévision comme artiste invité et ses nombreuses prestations. 7Starr est également reconnu pour son engagement dans la collectivité, ses conférences et son enseignement dans des établissements primaires, secondaires et universitaires, organismes caritatifs et centres communautaires. Il est actuellement président de la Montreal Krump Alliance, un OBNL spécialisé dans la promotion de la culture du krump à travers le Canada. En 2017, il reçoit le prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton du Conseil des arts du Canada pour sa trajectoire artistique exceptionnelle. En 2018, le Black Theatre Workshop lui décerne le prix Gloria Mitchell-Aleong en tant qu’artiste professionnel émergent dans les arts de la scène. En 2019, 7Starr s’engage en tant que co-chorégraphe dans une collaboration avec l’artiste Lucy M. May pour la pièce Anima/Darkroom, une performance solo d’une durée de 60 minutes. En 2020, il est finaliste au Prix du CALQ – Artiste de l’année à Laval. Il fait également ses débuts dans la musique krump en collaborant avec des producteurs tels que DJ Shashu, Mozarf, Braze, Playa et Kid NY.
L’année 2020 est aussi celle durant laquelle 7Starr décide de se réinventer en tant qu’artiste de musique krump et de retourner à ses anciens amours : le rap et l’écriture. Il collabore avec de nombreux producteurs de musique krump de partout à travers le monde, notamment avec le Montréalais Shash’U, et il sort son premier album solo, intitulé Diff Diff, en plus de cinq vidéoclips. Ses efforts constants ont attiré l’attention du public, jusqu’à lui valoir des entrevues avec CTV News, CKUT et Télé-Québec. 7Starr continue d’innover et de se surpasser dans ses différents champs d’intérêt, en plus de travailler sur d’ambitieux projets qui verront le jour dans un avenir rapproché.
L’année 2020 est aussi celle durant laquelle 7Starr décide de se réinventer en tant qu’artiste de musique krump et de retourner à ses anciens amours : le rap et l’écriture. Il collabore avec de nombreux producteurs de musique krump de partout à travers le monde, notamment avec le Montréalais Shash’U, et il sort son premier album solo, intitulé Diff Diff, en plus de cinq vidéoclips. Ses efforts constants ont attiré l’attention du public, jusqu’à lui valoir des entrevues avec CTV News, CKUT et Télé-Québec. 7Starr continue d’innover et de se surpasser dans ses différents champs d’intérêt, en plus de travailler sur d’ambitieux projets qui verront le jour dans un avenir rapproché.
Alexandra 'Spicey' Landé
Alexandra ‘Spicey’ Landé est une chorégraphe montréalaise, interprète et enseignante en danse avec plus de 20
années d’expérience, dont 10 ans à titre de chorégraphe. Figure majeure de la danse Hip-Hop au Québec, sa
passion pour cet art nait dans les années 80 alors qu’elle est toute petite. Alexandra a notamment créé le
Festival Bust a Move (2005-2015), un événement majeur des danses de rue au Canada. Fin 2015, elle a fondé la
compagnie de danse Ebnflōh dont la mission est de créer, produire et diffuser des œuvres engagées,
authentiques et innovatrices, et de promouvoir un langage chorégraphique original enraciné dans l’essence du
Hip-Hop. La relation symbiotique qu’elle entretient avec la culture Hip-Hop dans son travail chorégraphique
constitue l’essence même de sa signature artistique.
années d’expérience, dont 10 ans à titre de chorégraphe. Figure majeure de la danse Hip-Hop au Québec, sa
passion pour cet art nait dans les années 80 alors qu’elle est toute petite. Alexandra a notamment créé le
Festival Bust a Move (2005-2015), un événement majeur des danses de rue au Canada. Fin 2015, elle a fondé la
compagnie de danse Ebnflōh dont la mission est de créer, produire et diffuser des œuvres engagées,
authentiques et innovatrices, et de promouvoir un langage chorégraphique original enraciné dans l’essence du
Hip-Hop. La relation symbiotique qu’elle entretient avec la culture Hip-Hop dans son travail chorégraphique
constitue l’essence même de sa signature artistique.
Mathieu Leroux
Écrivain, comédien/danseur, metteur en scène et dramaturge en danse, Mathieu Leroux est diplômé de l’École supérieure de théâtre de l’UQAM (profil interprétation et mise en
scène). Il a fondé et a été à la codirection de deux compagnies théâtrales (Putto Machine et Les Néos) ; il a été de l’équipe de tournée du Théâtre Sans Fil — marionnettes
géantes pendant sept ans, en plus d’écrire et de performer une centaine de courtes pièces au sein des Néos. Il est créateur d’un spectacle solo (La naissance de Superman), d’une
pièce de groupe (Scrap, Espace Libre), et a cosigné l’adaptation des six pièces de la saga familiale Les Atrides (Église Saint-Jean-Baptiste). Il est le dramaturg du Twist de
tanzmainz, en Allemagne — pièce pour 20 danseurs—, et sur le Relic créé pour le Ballet BC à Vancouver. On le retrouve sur scène dans Le sixième sens de Michelle Parent (Salle
Fred-Barry, janvier 2020), dans Bones & Wires — sa cocréation chorégraphique avec Sébastien Provencher (Tangente, mai 2021), et dans cet intervalle de Morena Prats (tournée
22-23). Il danse dans le Plasticity/Desires de Other Animals (2024). En théâtre, il a accompagné plusieurs auteurs.trices dans le processus dramaturgique au moment de la
production (Dominique Leclerc, Pascale Renaud-Hébert, Véronique Pascal) ; en danse, il travaille depuis plusieurs années aux côtés, entre autres, de Victor Quijada, Helen Simard,
Alexandre Morin et Alexandra Spicey Landé.
Mathieu Leroux est détenteur d’une maîtrise en littérature française (Université de Montréal, 2011). On lui doit plusieurs publications, notamment Dans la cage, son premier
roman (Héliotrope, 2013), la suite, Avec un poignard (Héliotrope, 2020), et Quelque chose en moi choisit le coup de poing (La Mèche, 2016) — un ouvrage rassemblant un essai
sur la performance de soi et du théâtre autobiographique. Il est l’un des mentors (dramaturgie) de Danse à la carte.
scène). Il a fondé et a été à la codirection de deux compagnies théâtrales (Putto Machine et Les Néos) ; il a été de l’équipe de tournée du Théâtre Sans Fil — marionnettes
géantes pendant sept ans, en plus d’écrire et de performer une centaine de courtes pièces au sein des Néos. Il est créateur d’un spectacle solo (La naissance de Superman), d’une
pièce de groupe (Scrap, Espace Libre), et a cosigné l’adaptation des six pièces de la saga familiale Les Atrides (Église Saint-Jean-Baptiste). Il est le dramaturg du Twist de
tanzmainz, en Allemagne — pièce pour 20 danseurs—, et sur le Relic créé pour le Ballet BC à Vancouver. On le retrouve sur scène dans Le sixième sens de Michelle Parent (Salle
Fred-Barry, janvier 2020), dans Bones & Wires — sa cocréation chorégraphique avec Sébastien Provencher (Tangente, mai 2021), et dans cet intervalle de Morena Prats (tournée
22-23). Il danse dans le Plasticity/Desires de Other Animals (2024). En théâtre, il a accompagné plusieurs auteurs.trices dans le processus dramaturgique au moment de la
production (Dominique Leclerc, Pascale Renaud-Hébert, Véronique Pascal) ; en danse, il travaille depuis plusieurs années aux côtés, entre autres, de Victor Quijada, Helen Simard,
Alexandre Morin et Alexandra Spicey Landé.
Mathieu Leroux est détenteur d’une maîtrise en littérature française (Université de Montréal, 2011). On lui doit plusieurs publications, notamment Dans la cage, son premier
roman (Héliotrope, 2013), la suite, Avec un poignard (Héliotrope, 2020), et Quelque chose en moi choisit le coup de poing (La Mèche, 2016) — un ouvrage rassemblant un essai
sur la performance de soi et du théâtre autobiographique. Il est l’un des mentors (dramaturgie) de Danse à la carte.
Alisia Pobega
Consultant artistique
Alisia Pobega est danseuse, enseignante et co-directrice artistique de LIBERAMAE performance & films, compagnie de film de danse. Après 12 ans aux Grands Ballets Canadiens (soliste), elle est maintenant artiste indépendante, et danse des rôles principaux (Skeels Danse, Margie Gillis - Projet Héritage, Jane Mappin Danse) et on peut la voir dans plusieurs films de danse. Elle est maître de ballet invité auprès de BJM Danse et Cas Public, et elle enseigne pour des institutions comme l’École nationale de ballet du Canada, l’École supérieure de ballet du Québec, l'EDCM et Springboard Danse Montréal.
Alisia Pobega est danseuse, enseignante et co-directrice artistique de LIBERAMAE performance & films, compagnie de film de danse. Après 12 ans aux Grands Ballets Canadiens (soliste), elle est maintenant artiste indépendante, et danse des rôles principaux (Skeels Danse, Margie Gillis - Projet Héritage, Jane Mappin Danse) et on peut la voir dans plusieurs films de danse. Elle est maître de ballet invité auprès de BJM Danse et Cas Public, et elle enseigne pour des institutions comme l’École nationale de ballet du Canada, l’École supérieure de ballet du Québec, l'EDCM et Springboard Danse Montréal.
Manu Roque
Formé en cirque, théâtre et musique, Manu oeuvre ensuite en danse contemporaine à tire d’interprète, chorégraphe et enseignant depuis 2005. Son intérêt pour le corps en mouvement passe par les notions d’intégrité, de curiosité, de bienveillance à l’autre et à soi, de générosité dans l’engagement… Ses recherches témoignent de préoccupations politico-sociales, mais aussi poétiques, formelles ou sensorielles.
Jacques Poulin-Denis
Jacques Poulin-Denis est un artisan des arts de la scène. Chorégraphe, metteur en scène, interprète et compositeur, il entreprend des projets qui brouillent les frontières entre la danse, la musique et le théâtre. Par ses œuvres humanistes et loufoques, il cherche à déployer la puissante vulnérabilité des personnages auxquels il donne vie. Avec plus de douze créations à son actif, Jacques Poulin-Denis a vu son travail présenté dans une vingtaine de villes canadiennes ainsi qu’aux États-Unis, en Europe et en Asie. Jacques Poulin-Denis est un artiste associé à l’Agora de la danse.
Victor Quijada
Depuis 2002, Victor Quijada et RUBBERBAND ont redéfini les codes du break dance dans un contexte institutionnel et ont vivifié le milieu chorégraphique québécois, en plus de paver le chemin pour de nouveaux créateurs fascinés par le breakdance. Armé de la technique pour danseurs qu’il a conçue (Méthode RUBBERBAND) — vocabulaire électrisant qui allie l’énergie du hip-hop, le raffinement du ballet classique et le travail angulaire de la danse contemporaine —, fort d’une quarantaine de créations/collaborations au Canada comme à l’international, Quijada continue de se développer au cœur d’une carrière prolifique.
Né de parents mexicains et élevé à Los Angeles, Quijada est d’abord formé dans les cercles de b-boying et les clubs hip-hop de sa ville natale. Il fait son entrée chez Rudy Perez en 1994, passe du côté de chez THARP! à New York en 1996, fait un saut par les Ballets Tech avant d’arriver à Montréal chez Les Grands Ballets canadiens en 2000. En 2002, il fonde RUBBERBAND alors qu’il s’immerge dans la déconstruction des principes chorégraphiques qu’il a appris en jumelant ceux-ci à l’idéologie brute de la danse urbaine. Ses créations — plusieurs courtes formes et 14 productions longues — sont empreintes d’une forte théâtralité, de l’énergie de l’improvisation, des codes du langage cinématographique, et sont sculptées par une précision de geste incomparable.
Quijada enseigne la Méthode RUBBERBAND mondialement depuis plusieurs années par le biais de divers ateliers ou stages (pour de nombreuses compagnies, universités ou institutions de danse) et de manière récurrente au sein d’événements annuels : le stage montréalais annuel de sa compagnie ; l’Académie du Domaine Forget dans Charlevoix ; une charge d’enseignement à la Glorya Kaufman School of Dance de la University of Southern California (USC). En tant que chorégraphe invité, il a créé de nouvelles œuvres auprès de compagnies de cirque et de danse ; il a notamment travaillé à plusieurs reprises pour Hubbard Street Dance Chicago, Pacific Northwest Ballet et Scottish Dance Theatre.
En plus de son travail scénique, le parcours de Quijada inclut une dizaine de films chorégraphiques. Son court métrage Hasta La Próxima a été finaliste aux American Choreography Awards en 2004. Quijada a également créé la chorégraphie des clips Man I Used to Be de k-os, La garde d’Alexandre Désilets et Blue Wonderful d’Elton John. Son film Gravity of Center a entre autres remporté le Best Experimental Short au CFC Worldwide Short Film Festival en 2012, et a tourné dans plusieurs expositions et festivals nationaux et internationaux.
En ce qui concerne la reconnaissance de ses pairs, Quijada a été artiste en résidence à l’Usine C (en 2004 et 2006), puis à la Place des Arts (2007-2011), et de nombreux prix lui ont été attribués. Il est lauréat, entre autres, du Best Modern Repertory du National Dance Award (2003, ÉU), du Bonnie Bird North American Award (2003, Angleterre), du Peter Darrell Choreography Award (2003, Angleterre), du Prix Rayonnement international de l’Assemblée canadienne de la danse (2012, Canada) et de deux prix de la Princess Grace Foundation-USA (Choreography Fellowship, 2010; Work in Progress Residency, 2016).
En décembre 2017, Victor Quijada recevait le Prix de la danse de Montréal — Prix de la diversité culturelle et figurait en 2019 sur la courte liste des finalistes au 34e Grand Prix du Conseil des arts de Montréal ainsi que sur celle du Prix Charles-Biddle 2019, instigué par par Culture pour tous et le ministère de l’Immigration, de la Francisation et de l’Inclusion (MIFI).
Né de parents mexicains et élevé à Los Angeles, Quijada est d’abord formé dans les cercles de b-boying et les clubs hip-hop de sa ville natale. Il fait son entrée chez Rudy Perez en 1994, passe du côté de chez THARP! à New York en 1996, fait un saut par les Ballets Tech avant d’arriver à Montréal chez Les Grands Ballets canadiens en 2000. En 2002, il fonde RUBBERBAND alors qu’il s’immerge dans la déconstruction des principes chorégraphiques qu’il a appris en jumelant ceux-ci à l’idéologie brute de la danse urbaine. Ses créations — plusieurs courtes formes et 14 productions longues — sont empreintes d’une forte théâtralité, de l’énergie de l’improvisation, des codes du langage cinématographique, et sont sculptées par une précision de geste incomparable.
Quijada enseigne la Méthode RUBBERBAND mondialement depuis plusieurs années par le biais de divers ateliers ou stages (pour de nombreuses compagnies, universités ou institutions de danse) et de manière récurrente au sein d’événements annuels : le stage montréalais annuel de sa compagnie ; l’Académie du Domaine Forget dans Charlevoix ; une charge d’enseignement à la Glorya Kaufman School of Dance de la University of Southern California (USC). En tant que chorégraphe invité, il a créé de nouvelles œuvres auprès de compagnies de cirque et de danse ; il a notamment travaillé à plusieurs reprises pour Hubbard Street Dance Chicago, Pacific Northwest Ballet et Scottish Dance Theatre.
En plus de son travail scénique, le parcours de Quijada inclut une dizaine de films chorégraphiques. Son court métrage Hasta La Próxima a été finaliste aux American Choreography Awards en 2004. Quijada a également créé la chorégraphie des clips Man I Used to Be de k-os, La garde d’Alexandre Désilets et Blue Wonderful d’Elton John. Son film Gravity of Center a entre autres remporté le Best Experimental Short au CFC Worldwide Short Film Festival en 2012, et a tourné dans plusieurs expositions et festivals nationaux et internationaux.
En ce qui concerne la reconnaissance de ses pairs, Quijada a été artiste en résidence à l’Usine C (en 2004 et 2006), puis à la Place des Arts (2007-2011), et de nombreux prix lui ont été attribués. Il est lauréat, entre autres, du Best Modern Repertory du National Dance Award (2003, ÉU), du Bonnie Bird North American Award (2003, Angleterre), du Peter Darrell Choreography Award (2003, Angleterre), du Prix Rayonnement international de l’Assemblée canadienne de la danse (2012, Canada) et de deux prix de la Princess Grace Foundation-USA (Choreography Fellowship, 2010; Work in Progress Residency, 2016).
En décembre 2017, Victor Quijada recevait le Prix de la danse de Montréal — Prix de la diversité culturelle et figurait en 2019 sur la courte liste des finalistes au 34e Grand Prix du Conseil des arts de Montréal ainsi que sur celle du Prix Charles-Biddle 2019, instigué par par Culture pour tous et le ministère de l’Immigration, de la Francisation et de l’Inclusion (MIFI).
Melissa A. Thompson
ECRIVAIN ET SPECIALISTE INTERDISCIPLINAIRE DES ARTS
Toujours intéressée par les intersections nouvelles et inhabituelles de la culture visuelle et narrative, Melissa A. Thompson est une professionnelle des arts dont les forces incluent la création de concepts et la stratégie.
Thompson s'est d'abord joint au Cirque du Soleil en tant que spécialiste des arts visuels et a ensuite fondé l'équipe Creative Intelligence // Vigie, un groupe de réflexion interne axé sur l'identification des tendances culturelles émergentes, des personnes d'intérêt et des nouvelles orientations résonnantes pour l'organisation. Thompson a également occupé le poste de Concept Designer/Creative Lead au Cirque du Soleil où elle a développé un large éventail de projets, y compris des expositions basées sur des installations, des expériences et des concepts de spectacles de théâtre en direct au cours de ses 15 ans de carrière au sein de la compagnie. Son travail a été reconnu à travers plusieurs collaborations avec le Musée des Beaux Arts de Montréal où elle a occupé le rôle de directrice artistique (2018 – 2020) de leur bal annuel et a collaboré à une panoplie d'expositions et d'installations. Actuellement basé à Helsinki, ses projets récents incluent le ballet sur glace LUMIKUNINGATAR (The Snow Queen) qui sera présenté en première en Finlande en décembre 2022.
Toujours intéressée par les intersections nouvelles et inhabituelles de la culture visuelle et narrative, Melissa A. Thompson est une professionnelle des arts dont les forces incluent la création de concepts et la stratégie.
Thompson s'est d'abord joint au Cirque du Soleil en tant que spécialiste des arts visuels et a ensuite fondé l'équipe Creative Intelligence // Vigie, un groupe de réflexion interne axé sur l'identification des tendances culturelles émergentes, des personnes d'intérêt et des nouvelles orientations résonnantes pour l'organisation. Thompson a également occupé le poste de Concept Designer/Creative Lead au Cirque du Soleil où elle a développé un large éventail de projets, y compris des expositions basées sur des installations, des expériences et des concepts de spectacles de théâtre en direct au cours de ses 15 ans de carrière au sein de la compagnie. Son travail a été reconnu à travers plusieurs collaborations avec le Musée des Beaux Arts de Montréal où elle a occupé le rôle de directrice artistique (2018 – 2020) de leur bal annuel et a collaboré à une panoplie d'expositions et d'installations. Actuellement basé à Helsinki, ses projets récents incluent le ballet sur glace LUMIKUNINGATAR (The Snow Queen) qui sera présenté en première en Finlande en décembre 2022.
Peter Jasko
En 2001, Peter est diplômé du J.L. Bella Conservatory of dance, Banska Bystrica, Slovaquie.
Il a poursuivi ses études supérieures à l'Université de musique et d'art dramatique de Bratislava, SK, pendant un an avant d'entrer à l'école internationale de danse P.A.R.T.S. à Bruxelles, BE, (2002), sous la direction artistique d'Anna Teresa de Keersmaeker.
Il a été impliqué dans la communauté de la danse dans différentes parties du monde en tant qu'interprète, chorégraphe et enseignant pendant plus de 20 ans. Son expérience professionnelle comprend la danse/collaboration/chorégraphie avec/pour des artistes internationaux et des compagnies telles que la Compagnie Roberto Olivan d'Espagne, l'Eastman belge Sidi Larbi Cherkaoui, Circus Eloize, Bill Coleman, Petr Forman, Roberto Magro, Peter James, EDCM, Université Concordia et beaucoup plus.
Depuis 2001, il collabore également avec David Zambrano en tant qu'interprète et assistant dans ses cours et ateliers.
En 2006, Peter cofonde Les Slovaks Dance Collective et lance leur première création : Opening Night. Cette expérience (un processus créatif qui a duré un an) a jeté les bases d'un mode de fonctionnement collectif et d'une prise de décision démocratique. LS a commencé à développer des compétences communes : composer en jouant, trouver un langage gestuel, établir des règles de relation à l'autre et au public en jouant, utiliser la danse, la musique et le chant. De nombreuses tournées s'ensuivirent.
En 2009, Peter Jasko a créé et dansé Solo2009.
En 2014, il a commencé à collaborer et à performer avec la danseuse montréalaise Clara Furey. Son approche favorise le dialogue entre les différents types de médiums qui composent une œuvre d'art vivante, les invitant à interagir dans une hiérarchie horizontale.
La même année, Peter Jasko a créé un spectacle pour 300 personnes âgées dans le cadre de la ville culturelle d'Europe, Pilsen 2015.
Ses dernières collaborations sont liées à des noms tels que Bill Colemean, Lucy M.May, Mohamadreza Akrami, Peter James, Clara Furey, Luka et Atom Jasko (ses enfants).
Au cours des 20 dernières années, il a enseigné dans environ quarante-six pays à travers le monde.
Il a poursuivi ses études supérieures à l'Université de musique et d'art dramatique de Bratislava, SK, pendant un an avant d'entrer à l'école internationale de danse P.A.R.T.S. à Bruxelles, BE, (2002), sous la direction artistique d'Anna Teresa de Keersmaeker.
Il a été impliqué dans la communauté de la danse dans différentes parties du monde en tant qu'interprète, chorégraphe et enseignant pendant plus de 20 ans. Son expérience professionnelle comprend la danse/collaboration/chorégraphie avec/pour des artistes internationaux et des compagnies telles que la Compagnie Roberto Olivan d'Espagne, l'Eastman belge Sidi Larbi Cherkaoui, Circus Eloize, Bill Coleman, Petr Forman, Roberto Magro, Peter James, EDCM, Université Concordia et beaucoup plus.
Depuis 2001, il collabore également avec David Zambrano en tant qu'interprète et assistant dans ses cours et ateliers.
En 2006, Peter cofonde Les Slovaks Dance Collective et lance leur première création : Opening Night. Cette expérience (un processus créatif qui a duré un an) a jeté les bases d'un mode de fonctionnement collectif et d'une prise de décision démocratique. LS a commencé à développer des compétences communes : composer en jouant, trouver un langage gestuel, établir des règles de relation à l'autre et au public en jouant, utiliser la danse, la musique et le chant. De nombreuses tournées s'ensuivirent.
En 2009, Peter Jasko a créé et dansé Solo2009.
En 2014, il a commencé à collaborer et à performer avec la danseuse montréalaise Clara Furey. Son approche favorise le dialogue entre les différents types de médiums qui composent une œuvre d'art vivante, les invitant à interagir dans une hiérarchie horizontale.
La même année, Peter Jasko a créé un spectacle pour 300 personnes âgées dans le cadre de la ville culturelle d'Europe, Pilsen 2015.
Ses dernières collaborations sont liées à des noms tels que Bill Colemean, Lucy M.May, Mohamadreza Akrami, Peter James, Clara Furey, Luka et Atom Jasko (ses enfants).
Au cours des 20 dernières années, il a enseigné dans environ quarante-six pays à travers le monde.
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